Après avoir vu les différentes possibilités pour commencer son digital painting, passons au croquis, étape on ne peut plus cruciale. Le croquis est en général la première « vraie étape » de création à partir du moment où on a une idée ou que l’inspiration vient, il ne faut donc pas la négliger…

Je tiens à mettre tout de suite quelque chose au clair : je ne suis pas un professionnel dans le domaine et je ne suis pas particulièrement doué et expérimenté. C’est donc bien humblement que je réalise ce petit guide dans le seul but d’aider les néophytes. Etant moi-même passé par là, je proposerai des indications pour commencer et après aller plus loin, surtout que cette discipline se développe énormément !

Avant de lire la suite, si vous avez manqué le numéro précédent de ce guide, c’est par ici :

Guide du Digital Painting #3 : Commencer l’illustration

Après savoir comment débuter, que ce soit à partir d’un dessin ou directement en peignant sur Photoshop (ou Painter), le croquis est pour moi une étape bien à part. D’une part parce que c’est à ce moment qu’on va passer d’une idée, d’un concept à quelque chose de concret que l’on pourra partager visuellement. D’autre part parce que c’est bêtement là qu’on pose les premiers jets, qu’on décrit les formes, le décor, etc…

Je viens bien vous faire comprendre l’enjeu qui se trouve dans le croquis, quelque soit la technique. Ce dernier définit très tôt ce à quoi ressemblera votre oeuvre finie, c’est pourquoi il ne faut pas hésiter à passer du temps dessus. Négliger son croquis, son dessin de départ, c’est quelque part prendre le risque de bonifier grandement une création.

Arcipello – (Cliquez dessus pour voir en grand)

Si on part d’un croquis au crayon, il ne faut pas hésiter à gommer des parties entières pour rechercher ce qui « colle le mieux ». Certains artistes, et même beaucoup j’imagine, réalisent plusieurs croquis avant de passer à la réalisation. Ainsi pour réaliser un personnage ou une scène précise, on peut très bien réaliser plusieurs croquis rapides pour déterminer l’angle et la composition qui semblent les plus adéquates. Une fois qu’un croquis se rapproche de ce qui semble suffisant pour continuer, en général on peaufine ce croquis, bien que ce ne soit pas obligatoire.

Crasharktopus par psychohazard

Vous l’aurez compris, être bon en dessin est un plus car si on est rapide cette étape n’est plus une corvée comme cela peut l’être chez certaines personnes. Un croquis peut être plus ou moins abouti et ne laisser que les lignes du dessin (on parle en général d’une « line ») ou alors être plus poussé et la lumière peut déjà avoir été travaillé : on a donc des ombres. Le tout peut être « vite fait » ou alors très propre, cela peut être un gain de temps, tout dépend des personnes.

La composition

L’étape du croquis est le moment de réfléchir à la composition de son illustration. Je ne suis pas un expert en composition mais je vais essayer d’expliquer clairement les bases de celle-ci, surtout qu’il s’agit d’un élément valable pour tous les domaines de l’image en général.

Pour faire court, une image est composée de lignes, de cercles, de toute sorte de formes que notre esprit va reconnaître et assimiler. Ainsi si un élément est plus arrondi ou plus gros, celui-ci n’aura pas le même poids, notre perception va changer ainsi que le message tout entier. La composition est un domaine vaste et petit à petit, certaines choses sont à assimiler, ne serait-ce qu’en regardant de grands digital paintings ou même des oeuvres d’art classiques.

En effet, par exemple si un personnage regarde vers la gauche plutôt que vers la droite, cela signifiera qu’il est plus tourné vers le passé plutôt que vers l’avenir. Cela semble anodin mais tout le message se voit modifié. Un autre exemple beaucoup plus concret pour que vous compreniez mieux : Si on dessine un escalier dont le haut est à gauche et le bas à droite de l’image, on pensera automatiquement que l’escalier descend mais pas qu’il monte.

La composition se base donc sur plusieurs principes dont les grandes lignes sont :

- le format : à ce que je sache, un digital painting horizontal se voit plus « calme et posé » qu’un painting tout en hauteur. En effet, c’est pour cela qu’un paysage ou un matte painting se verra très souvent dans un format horizontal, voire même panoramique. Le format horizontal ajoute de la « stabilité ». Au contraire, une image verticale sera à préférer pour un painting très dynamique, par exemple pour un personnage qui pourfend l’air de sa hache. C’est aussi un des premiers choix qui nous vient naturellement : est-ce qu’on tourne la feuille dans le format paysage ou portrait avant de commencer ? certains d’entre vous se rendent peut-être compte que cette question, comme beaucoup d’autres, n’est pas anodine…

- l’équilibre : statique ou dynamique, l’équilibre d’une composition détermine la façon dont le spectateur va percevoir l’oeuvre : pour une scène calme par exemple, il vaut mieux opter pour un équilibre statique avec par exemple beaucoup de symétrie ou un poids visuellement égal dans l’image. Un déséquilibre peut tout de suite donner beaucoup de dynamisme, attirer l’oeil vers un élément mais c’est également une prise de risque car la composition peut perdre en efficacité si le déséquilibre est mal exercé.

Pour en savoir beaucoup plus sur l’équilibre, je vous invite chaudement à lire cet article de Pixenjoy : Langage visuel : l’équilibre

- la règle des tiers : règle à connaître, si elle est maîtrisée, vous aurez fait un bond en avant. En effet, il faut s’imaginer l’image découpée en parts comme ci-dessous :

Vous l’aurez remarqué, les 4 points sont ce qu’on appelle « point fort » et il vaut mieux dans un premier temps préférer placer l’objet central de l’illustration à peu près sur un de ces points. Pourquoi pas au centre s’il s’agit de l’élément central ? Tout simplement parce que cela risque de vite devenir lassant, ce n’est pas très « piquant » mais l’effet contraire est donc aussi vrai. Plusieurs types de positionnements sont possibles dans cette grille et je ne les décrirai pas mais il faut savoir que plus on joue avec les bords pour mettre en avant l’élément central, plus la composition peut être dynamique mais peut aussi devenir dérangeant, voire gâcher le tout.

Pour en savoir plus sur la règle des tiers ou d’autres points concernant la composition, je vous renvoie vers cet autre article de Pixenjoy très bien expliqué et je vous recommande de « fouiller » le blog pour trouver d’autres articles s’y relatant : Langage visuel : la composition

- la couleur : un bon emploi de la couleur peut être la clé d’un digital painting réussi mais aussi une porte ouverte vers le développement de son propre style. Choisir la bonne couleur pour capter la bonne atmosphère est tout un art et il faut savoir qu’il y a là aussi des règles précises à connaitre car valables dans tous les domaines même l’art ou le graphisme. Encore une fois il faudrait un article entier pour tout décrire, et je vous renvoie vers explainMe : La couleur

Dans les grandes lignes pour ce qui s’applique au digital painting, je dirai que pour réussir un digital painting, un bon emploi des contrastes peut être un plus. En effet, si on a un paysage orangé avec un personnage au milieu, rien de tel pour attirer l’oeil vers lui que de lui appliquer une couleur bleutée. On applique là par exemple le principe de dominante-tonique. Bien entendu, le stade des couleurs dépasse celui du croquis mais je pense qu’une introduction n’est pas une mauvaise chose.

Voilà quelques lignes directrices qu’il faut avoir à l’esprit pour progresser sans pour autant se plonger à tout prix dans des livres à en oublier le plaisir de peindre ! En revanche, n’hésitez pas à chercher par vous-même et je pense qu’une très bonne méthode (personnellement, elle me suffit) consiste simplement à regarder ce que font les « maîtres » et arriver à capter l’essence de ce qu’ils font. Ainsi on peut comprendre ce qui fait la force de l’image, pourquoi tel choix a été fait, etc…

Voici enfin un tutoriel vraiment très intéressant permettant de réaliser un concept art de robot et la partie « croquis » ( = « sktech » en anglais ) est vraiment intéressante :

Create a robot concept art

Ce second tutoriel, tout bonnement génial, traite également du concept art et la partie « croquis » est vraiment développée et montre bien l’intérêt particulier qu’à cette étape. De plus, l’artiste révèle sa technique bien spéciale pour réaliser un croquis original en plus de beaucoup d’astuces !

Create a Monster

Vous l’aurez compris, ne négligez pas le croquis et par delà la phase de réflexion et de recherche qui l’accompagne, vous ne perdrez jamais votre temps ! Dans le prochain numéro du guide, soit le cinquième, nous aborderons des choses plus techniques et plus précises, ne manquez donc pas la suite…

Un dernier conseil pour la route : exercez-vous ! il n’y a pas de secret pour progresser mais faites vous toujours plaisir.

Voici le lien du numéro suivant du guide du digital painting :

Guide du Digital Painting #5 : Ombre et Lumière