Dans ce septième opus, nous développerons le thème de la couleur car bien savoir peindre la couleur et maîtriser certaines règles est primordial.

Petit disclaimer : Je tiens à mettre tout de suite quelque chose au clair : je ne suis pas un professionnel dans le domaine et je ne suis pas particulièrement doué et expérimenté. C’est donc bien humblement que je réalise ce petit guide dans le seul but d’aider les néophytes. Etant moi-même passé par là, je proposerai des indications pour commencer et après aller plus loin, surtout que cette discipline se développe énormément !

Autre information, les textes en bleus et certains schémas dans cet article sont tirés d’un tutoriel de Niklas Jansson, traduit par Herz3leid et que vous pouvez retrouver en entier sur Ecleoz.

Cet article fait partie d’un guide divisé en plusieurs articles dont le sommaire se trouve ici :

Guide du Digital Painting : Sommaire

Avant de lire la suite, si vous avez manqué le numéro précédent de ce guide, c’est par ici :

Guide du Digital Painting #6 : Lumière, Radiosité…

Maintenant que tout ce qui concerne la manière de peindre la lumière et de reproduire les matières grâce à celle-ci, voyons comment jouer avec les couleurs et ses différentes valeurs peut nous permettre de réussir à améliorer l’impact du digital painting sur le spectateur.

La couleur

Tout d’abord la couleur est la perception par l’oeil des différentes valeurs d’une onde lumineuse, pour plus de détails sur leur provenance, je vous renvoie à Google ou Wikipédia…

Comme tout le monde l’a appris un jour, il y a 3 couleurs primaires qui dans notre cas sont le Rouge, le Vert et le Bleu (RVB, il s’agit de la synthèse additive) desquelles découlent des couleurs secondaires, puis tertiaires puis des millions de variations différentes (ça nous laisse du choix au moins !).

Ce qu’il faut connaître absolument sur la couleur, et cela ne touche pas qu’au digital painting, comme souvent, c’est le modèle Teinte-Saturation-Valeur utilisé dans Photoshop. Pixenjoy a déjà défini pour nous ce à quoi cela correspond car comprendre ces termes est crucial pour choisir la couleur appropriée, que ce soit en peinture, en photo ou autre :

- La teinte : c’est le type de couleur ou tonalité chromatique (comme rouge, bleu, jaune…), la valeur varie entre 0 et 360, mais est parfois normalisée en 0–100 %.
Ne pas confondre la “teinte” (la couleur) et le “ton” d’une couleur qui considère celle-ci du point de vue de son intensité lumineuse (valeur) et de son degré de saturation.

- La saturation : c’est la pureté de la couleur, plus la pureté augmente plus la couleur est vive. Plus la saturation baisse plus la couleur est fade et se rapproche du gris. Une couleur est désaturée si elle contient plus ou moins de gris neutre ou de sa couleur complémentaire. La saturation varie entre 0 et 100 %.

- La valeur : c’est la brillance, la luminosité de la couleur, la quantité de lumière transmise par la surface. Plus la valeur augmente, plus la couleur est franche. Plus la valeur diminue, plus la couleur s’assombrit jusqu’au noir. Elle varie entre 0 et 100%.
A noter que deux couleurs pures différentes n’ont pas la même clarté. Le jaune est la couleur la plus clair du cercle chromatique et le violet la plus sombre.

Je ne rentrerai pas plus dans les détails concernant la couleur et la roue chromatique, et je vous renvoie à ces deux articles incontournables de Pixenjoy :

Harmonie des couleurs

Design : la couleur

Revenons-en à nos moutons, je vous avais déjà parlé dans le numéro précédent du guide des valeurs de couleurs chaudes/froides.

Couleurs chaudes/froides

Là aussi, tout le monde sait ce que c’est mais bien comprendre celà permet ensuite de jouer avec certains principes de créations d’une image pour avoir l’effet voulu sur le spectateur.

Pour faire simple, le cercle chromatique peut être divisé en deux part égales : les couleurs chaudes d’un côté, et froides de l’autre. Je vous laisse voir desquelles il s’agit :

Comme dans beaucoup de domaines, une couleur chaude renvoie à quelque chose de chaleureux, de gai, de chaud (du feu, de la lave…) tandis qu’une ambiance froide renvoie à des valeurs plus tristes (l’hiver froid par exemple), froides et dénuées de vie.

C’est pourquoi il faut bien réfléchir à la température de couleur qu’on choisit : un painting majoritairement « chaud » n’aura pas du tout le même effet qu’un painting majoritairement « froid ». En effet le message et l’ambiance de l’image seront totalement différentes. Je n’ai rien trouver de mieux pour le démontrer que le header du site du jeu Battle Forge à base de digital painting que je vous invite à regarder en grand en cliquant sur l’image en-dessous :

Comme vous pouvez le constatez, la partie gauche est à forte dominante bleue et l’atmosphère est très froide, on pense automatiquement à la glace, la neige, quelque chose de froid. Au contraire, à droite la dominante est très chaude et renvoie au feu, à la chaleur, à la vie et aux fortes émotions.

Cette illustration me permet aussi d’introduire la prochaine partie : savoir jouer avec ces températures de couleur. En effet, ce n’est pas un hasard si ces deux couleurs dominantes ont été mises l’une en face de l’autre. C’est volontaire : cela crée un contraste très fort car si on regarde le cercle chromatique, on voit que ces couleurs sont opposées sur celui-ci : donc le contraste est maximal. A quoi ça sert ? Dans cet exemple, cela sert a capter l’attention de l’oeil, à avoir une image très forte visuellement. En plus de cela, le contraste permet aussi de bien opposer ce qui est sûrement deux armées ennemies.

Contrastes, Dominante, Tonique…

Nous avons vu juste avant comment utiliser un bon contraste de couleurs, je vous explique ce-dessous un autre exemple :

Digital Painting de Vitaly Samarin

Sur cette magnifique illustration, Vitaly Samarin utilise là encore un contraste très marqué entre le bleu très froid au bas de l’image et les différentes valeurs de  rouge très chaudes en haut. Autant dire que le résultat est impressionnant…

J’aurai peut-être dû commencer par là : la Dominante de couleur. C’est elle qui contribue en général à définir l’atmosphère de la scène : encore une fois une couleur froide renverra à une atmosphère froide et vice versa. Il est important d’utiliser les connotations des couleurs pour obtenir une certaine ambiance : par exemple le rouge renvoie au feu, à la chaleur, le jaune renvoie à la vie, à la gaieté et au contraire le vert signifie souvent dans notre culture des choses plus négatives : il rapelle le poison, les odeurs nauséabondes mais peut aussi rappeler la nature selon son utilisation.

Voici deux exemples plus parlant :

Digital Painting de Marek Okon

Sur ce digital painting, la dominante de couleur est le jaune et l’effet est relaxant : l’image renvoie à l’apaisement, à l’espoir…

Digital Painting de Vitaly Samarin

La dominante est ici verte et cela contribue à l’atmosphère apocalyptique en renvoyant à la pollution, au poison…

L’utilisation de tonique peut se résumer par l’utilisation de dominante et de contraste. En effet ce principe utilise une couleur largement dominante et la faible présence d’une couleur opposée sur le cercle chromatique : la tonique. Le gros avantage de la tonique est de pouvoir attirer l’oeil, de mettre un objet ou une zone en avant, exemple :

Digital Painting de Vitaly Samarin

Ici, la couleur dominante est le cyan, couleur froide ce qui accentue l’atmosphère très triste de cette ville fantôme et au milieu la créature féminine se voit arpenter une fourrure orange très saturée : automatiquement, elle ressort très nettement de l’image et j’aurai envie de dire qu’on ne voit qu’elle au milieu de l’illustration.

La relativité

Les couleurs et les valeurs sont relatives. En utilisant diverses astuces il est possible de tromper l’observateur, en lui faisant penser qu’une couleur en est une autre, ou qu’une valeur est plus sombre qu’elle ne l’est normalement. Malheureusement l’artiste est aussi trompé, en utilisant beaucoup plus de couleurs et de valeur que ce dont il a besoin.

Une transition rapide entre 2 valeurs sera plus évidente qu’une lente. Vous devez savoir laquelle utiliser, et quand l’utiliser. Parfois votre choix de valeurs sera très limité, comme quand vous travaillez sur les ombres. En utilisant des transition rapides vous pouvez montrer beaucoup plus de détails, en utilisant le moins de valeurs. Cependant, utiliser des dégradés est très utile pour changer une valeur sans que l’utilisateur le remarque beaucoup.

Des couleurs avec une même valeur sont au contraire relatives en terme de teinte. Une erreur fréquente est de dessiner un détail trop saturé, ainsi tout ce qui est à côté semble gris, alors pour compenser vous augmentez aussi la saturation de ce détail , ce qui a pour conséquence de rendre tout le dessin trop saturé. On retrouve ici l’idée de contraste et de tonique !

Couleurs de la peau

Ceux qui suivent régulièrement le blog depuis déjà un moment savent que j’ai dû me frotter à cette difficulté en reproduisant le cyclope de John Kearney. En effet, la peau est quelque chose de très dur à reproduire si on veut obtenir un effet réaliste et détaillé. Il faut prendre en compte sa couleur de base qui diffère selon les zones du corps ou du visage, sa texture, ses imperfections et surtout le fait que la couleur de la peau varie énormément selon la ou les sources de lumière présentes. A celà on rajoute le fait que la peau soit légèrement translucide et qu’elle est sensible à la radiosité et on obtient quelque chose de dur à peindre. Je vais essayer de vous donner quelques conseils quant à la couleur à choisir.

(Cliquez dessus pour voir en grand)

L’environnement
Prenez en compte l’environnement : la lumière est plus forte à l’extérieur, et la couleur de la peau tend à être moins saturée, à cause de la lumière d’ambiance bleue venant du ciel et de ses speculars. Parfois la couleur de la peau s’oriente vers du pourpre, toujours à cause du ciel bleu qui s’y mélange. C’est particulièrement vrai si le sujet se tient dans l’ombre.

- A l’intérieur (sans fenêtre, avec seulement des lampes) la lumière est plus chaude, et la saturation de la peau augmente, elle se rapproche du orange et du rouge.

- La couleur des ombres sur la peau peut parfois virer au vert, en particulier si la pièce contient des élément verts, comme un papier peint, des plantes ou autre.

- Dans une pièce blanche, ou une salle de bain, la couleur de la peau sera pâle, plus proche des couleurs de la piece, et moins contrastée.

- Une pièce avec une seule et même source de lumière plutôt forte donnera sans doute des ombres se rapprochant du noir.

…vous pouvez donc constater que l’endroit où vous placez votre personnage affecte grandement le travail que vous devrez effectuer sur la peau.

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Teintes
Le corps humain a beaucoup de teintes différentes. Les parties couvertes par les vêtements sont moins bronzées. Le pubis, les hanches et le torse sont quasi pâles. Les épaules et les avants bras sont 1 poil plus bronzés. Cependant l’intérieur du bras est souvent pâle. Les rotules et les coudes sont plus foncés. Le visage a de nombreuses teintes aussi, telles que les joues rosées. Les hommes peuvent avoir des mâchoires presque grises ou vertes, à cause de la chaume. L meilleur moyen d’apprendre les teintes du corps humain est bien sûr de réaliser des études. N’oubliez pas que les animaux, les monstres et les objets ont eux aussi des teintes. Si vous peignez tout de la même teinte, avec seulement de la saturation, ça sera mou, pas dynamique, et ennuyeux..
Certaines teintes sont dues à la lumière ambiante ou réfléchie. Les épaules, et les surfaces orientées vers le haut peuvent virer un peu au bleu, à cause de la réflexion du ciel.

.Dégradés saturés
Dans les dégradés, la couleur entre l’ombre et la lumière n’est pas juste la couleur intermédiaire entre ceux ci. Si l’on mélange juste les couleurs de l’ombre et de la lumière, la peau paraîtra sans vie. Si vous regardez des photos, vous verrez que les dégradés sont 1 peu saturés. C’est particulièrement facile à remarquer si on enlève la saturation.

Voilà, c’en est fini de ce septième (et conséquent) numéro du Guide du Digital Painting de Design Spartan. J’espère qu’encore une fois, vous avez appris certaines choses et que cela vous aura donné envie d’approfondir le sujet et d’expérimenter tout ça. J’apporte ici les bases mais rien ne vaut l’observation par soi-même des digital paintings ou du monde extérieur ainsi que de l’entraînement !

Bientôt la suite du guide… patience !